——赵先闻瓷画艺术鉴赏
                                                     ◎王长征

      先闻先生在几十年岁月苍生与艺术浸染中，收获了属于自己的累累成果和日益显赫的名声。本来他可以一劳永逸，尽情享用这一切，可他对艺术不竭的追求与眷恋，总使他带着一颗童心去不停的追逐、探索和热爱。去年以来，先闻先生 独具胆魄抛出了“现代原创美术”的理论雏本，为中国美术的未来走向和空间形态，提供了广阔的可能性与新锐的批评方式，最近他又突然染指瓷器，醉心于将自己的国画艺术抵达瓷器之身，几个月下去果然向我们展示他不凡的才艺与夺人眼目的瓷画成品，另人欣喜不己、啧啧称赞，更为先闻自己打开了一个生机勃勃的新天地——艺术总是生命的，陈词滥调的复制、千篇一律的模仿，那没有生命更不是艺术，先闻的努力也是一种对僵化观念的提醒，因此意义是多方面的。

      先闻的瓷上画主要是在景德镇瓷器和滨州海瓷上展开。瓷不比纸，同样的下笔感觉与效果迥然有别，表现在宣纸上的微妙的水墨效果与图式语言，在瓷器上是无法实现的，必须摸索一套另外的经验系统。在颜色的选取上，先闻有意取舍了古人的“青”，而代之于“蓝”，这是他别出心裁的“游戏”，因为贝瓷在滨州已有相当的历史，早有“薄如纸，白如玉，声如磬”之美誉，贝壳材料取之与渤海之贝，选取蓝色入画当把观者引入对海洋的不断想象中，韩昌黎的“青取之于蓝”之说，正说明了“蓝”的母性成分，亦即源头、原创与包容的特点。同时这种蓝色还带着一个激越时代弄潮的昂扬感，不失“青”的高古，又表现出明快激越的节奏与晶莹脂润的高贵之气。

       先闻的花鸟作品取材于荷与菊，纸上的荷菊是五彩的结果，对当代绘画而言，他本来就提倡一种色彩理念，而在瓷器上用一种纯蓝去表现荷的绿与红，菊的白与黄，肯定让自己面临了前所未有的难度，但他对材料之间的关系有着深刻的理解与熟练的手艺，他不是一个工艺美术匠在完成自己的工作，重要的是把自己的心智吐露其上。在这里，先闻淡化了一般画家画瓷所看重的水墨趣味和中国画味道，他不想犯那种简单的把中国画从纸上搬到瓷上的低级错误。从一种意义上说陶瓷艺术是火的艺术，当然他不会忽视用水：流韵和虚化；但他更注重水和火在不同时间状况的一体化熔铸，因为瓷器的最终成型是仰仗火的作用：如凤凰涅盘，在燃烧中更生。

      传统国画和瓷艺着重的是它的趣味性，而先闻用他的环绕连续式构成和丰富的色调，赋予古老传统的陶瓷艺术以新的生命力。当他画一件丰满如玉般的瓷瓶之时，他似乎感到了肌肤的弹性，感到了呼吸的温度与脉搏的跃动，因为他是在画生命，他画瓷的过程也是生命的投入，手、笔、颜色在瓷身的运行全在得意忘形之时，有意无意之间；笔墨不能发散，正可先取敛而后得散；颜色不能五彩，正可先抱一而后得多，简朴才更丰富，局促才可深入——这里面有人生与道行。

     瓷不比纸，它的树立和圆体不同于宣纸的单面与铺开，这种不能“展开”，就让人失去了直面相对而一目了然的愿望。看到的总是局部，总是层层角度构成的侧影，更有“藏”的好处，观者总是猜想，总是期盼，一页过去又接一页，一景未过又生一景。先闻体会到这种形态的特殊性与可能性，他利用了这种优势——全瓶布图，不离不弃，使瓷器表面得到更为充分的涉及，形成了周而复始、流转回环的机妙与理趣。欣赏者可远远了望，静静体味，默默联想；或需亲自躬身，走上前来轻轻触摸，尔后托于掌上，一翻一转，欣欣把玩，细细品咂，明眸清袖，观赏不止，不知今夕何夕，烟云过处恍若梦中……而或烟霞一空，如梦初醒又到目前，寻寻觅觅，曲曲折折，又觉茅塞顿开，朗风皓月，瓷身花魂，羽化而登仙矣。

    先闻先生对于瓷画刚刚开始，不必多说，留下些话，等到燕来雁去，果实金黄时，把酒续谈嗬。

 

                             2009-5-16