文化访谈
参与原创美术是成功人士的高雅选择，高端人群的高峰体验
去年年底，我国著名美术家赵先闻担纲成立了“原创美术研究院”。原创美术指的什么？原创美术研究以什么样的思路展开？为什么普通人也可以成为画家？带着这些问题，我们采访了赵先闻先生，交谈之中他不但告诉记者，而且直接说明——
您 可 以 成 为 画 家
——著名画家赵先闻谈原创美术
记者：（以下简称记）赵院长，您在中国画坛可以说是功成名就了。可是，您为什么现在又涉猎原创美术研究，并且正式成立了中国首创的原创美术研究机构——中国（北京、滨州）现代原创美术研究院呢？
赵先闻：（以下简称赵）
今年是我加入中国美术家协会20年，从事美术创作40年。回头看一下我这些年的美术生涯，从连环画、水彩画、水粉画和油画，再从拓彩画到书法，现代彩墨画；我走的是一条充满艰辛、风险和挑战的美术创造之路。创新一直是我过去和永远的追求。追求创新变法的性格决定了我不可能跟在古人、他人或名家的后面亦步亦趋；我一直关注和思考这样一个问题：中国画，这一国人为之骄傲的民族文化瑰宝，别管它承载着多少辉煌传统，是多么的神圣，多么的伟大，时至今日，当人类的历史以更加国际化、现代化向前推进的时候，我们的中国画，中国文人画应该何去何从？它的明天可能是一个什么样的面孔？它是否应该与时代同步？
从人类行为的层次来看，从经济与文化的相互关系来谈，从存在和意识的关系而论，艺术与社会同样：发展是硬道理，向前是大趋势，创新是主旋律。这是 不可逆转的不以人的意志为转移的客观规律。
近十几年来，从北方到南方，从国内到国外，看了一些民族文化遗址，读了些古人和今人的书籍，特别是老庄及道家的学说，西方马斯洛、S.汉瑞提、赫伯特.里德等哲人们关于艺术创造的理念，陪伴我在北京西山渡过了我艺术生涯的“蜕变期”。而后来，我又目睹了河姆渡先民们的艺术创造和吴哥王窟非汉民族的雕刻智慧。这一些文化的理念与现实，使我的艺术思路顿开茅塞，有一个跨越时空的飞跃。我的思考开始从艺术的创新追溯到艺术的创造，艺术的原始状态。开始了对人的艺术创造的原动力——灵感与悟性的研究。或者说从形而下升华到了形而上的艺术观照，从而达到一种道的境界。
这种升华是从流到源的追溯，是从叶到根的探求，是从人的功利和生存到人的本能和自我实现的研究。原创艺术的提出和研究是符合人类进步与发展的需求，是与和谐社会应运而生的必然结果，它真正体现了人类文明的发展方向。
记：请问什么叫原创美术呢？
赵：简言之，原创美术，即原始创造的美术样式。或者说，原来的、最早的、最初的。不是临摹别人的，不同于别人的、不可重复的，是属于你自己的，是你自己最先画的。这里又涉及到画家和美术样式的分类问题，怎样分类，各有见解。我把美术与画家分作两大类：一是模仿型，二是创造型。所谓模仿型，是以继承师承为主，以古人、他人、老师的作品为范本。这类画家又分为两种：一是以模仿为过程，打进去还可再打出来，他们吸收民族传统的精华，他们强调继承，要在继承的基础上探索创新，没有继承就没有创新，但最终还是要寻找自我，这占此类的大多数。二是以模仿为终结，为目的。这些人不想也不愿意走出老师和古人的窠臼，在名人、老师、前人的翅膀下温暖自己的安全与安逸；信奉己不如师，今不如昔。以像大师，像古人为荣，更以入室弟子为骄傲为资本。这些人可称之为模仿秀或者称之为卡拉OK式画家。另一大类则是创造型，这些画家以创造精神求索丹青新面貌，敢于尝试多种表现样式，更重视理念的更新和完美。常常以前人不敢涉猎，未曾涉足的表现方法，创造出风格各异的个性化作品。这一类的画家也分两种，一是创新型画家，即在前人古人的经验基础上加进自己的理解和时代风貌，在继承传统精神（而非仅仅是技法）的基础上有一个新的发展。这一类画家的数量越来越多，是美术发展史上的主流群体。未来的大师、巨匠将会从这一类画家中脱颖而出。创造型画家中还有一类，从未正式走向画坛的未来的大家，那就是原创美术家，也就我们要研究的原始创造型的艺术家，正是我们原创美术研究院的研究课题。这是一门新兴的艺术样式，这是崭新的研究课题，在这个美术领域里，将来要出奇才，出神品，也要出大师，出巨匠。
记：您刚才谈到中国画的传统与创新问题，这是美术界议论最多的话题。这也是原创美术研究面对的问题。请问您是如何看待这个问题的呢？
赵：这是一个很大的题目，一个负担很重文化内涵的课题，也是一个很难争出结果的争论。而只有推崇了创新，原创美术才能有更大的生存空间。
我的观点是：创新是中国画发展的方向，继承和传统只是一个过程，不是目的。这就是创新和传统的关系。为什么这么说？
第一，存在决定意识。现在所说要继承的中国画是指明清时期的文人画。而那时的文人们是一个什么样的存在状态呢？在自己的封闭的私宅里读书做诗，闲下来或一时兴起，毛笔蘸水，了了几笔，涂鸦山水花草，宽解诗意，聊以自慰。放笔起身，背手出门，近看远眺，便是“闲来无事去看山”；骑驴入野，农夫耕地，又有“谁知盘中餐，粒粒皆辛苦”之叹息。夜晚，灯光灰暗，不辨色彩，只好信步庭院，赏月作诗，“不知此时天下是何时”。倘若抚案抒怀，又无几样颜料，还要自己研磨。倒不如只要水墨，墨分五彩，更显得比俗人更清高，更典雅。于是，便有了风花雪月，残花败柳，断壁残垣，白山黑水，便有了翻眼鸟，骑驴叟。所以，是当年文人们的存在状态，产生了与其状态相吻合的文人画。文人画反映的只是明清文人们的思想状态和审美情趣。但是，在大唐盛世，文人们眼里是有颜色的，翻阅唐诗，你会读到很多色彩绚丽的美好诗句，如李白的：“翠影红霞映朝日，黄云万里动风色”，“红颜弃轩冕，白首卧松云”，杜甫的：“山红涧碧纷烂漫”，“粉墙丹柱动光彩，鬼物图画填青红”，王维的：“坐看红树不知远，行尽青溪忽值人”，等等。如此看来，历史也并非一个模式的，不同的生存状态就有不同的思想情趣。
现在呢？现在的画家们是一个什么样的生存状态呢？
且不说屋明灯亮，家电空调，汽车飞机，交通便利，再看看案头的文房四宝，几十种的国画颜料；更不用说天天电视，随时上网，偌大个地球，尽在鼠标掌握之中。开阔的视野，宽大的胸怀，古人岂能与我们同日而语。你生活在当今的现代化生活中，难道还要去继承生活在封建社会小农经济下的文人墨客的思想情绪吗？难道还要对明清文人的无病呻吟，故做清高顶礼膜拜吗？当然，我们并非虚无主义者，明清文人及文人画也仅有他们的审美价值，也有可吸收的有益精神，这也是不容否认的。但是对今天的我们来说，只能是借鉴，而不能继承，只能是过程，而不是目的。现代人，现代生活，现代化，现代画。今天的画应该是什么样的风采，不言而喻。
第二，艺术要创新，文化也要现代化。对于创新问题，我只引用我们国家两位最高领导人，在国家最高会议的两句话：“创新是中华民族的灵魂”，“创新是文化的主旋律”。因此，无需再多论述。
下面的一份资料证明：文化也要现代化。
据中新社报道：中国科学院中国现代化研究中心2009年一月在北京发布《中国现代化报告2009——文化现代化研究》。报告依据2005年世界各国的各项指标数据，认为中国的文化影响力指数在全世界排名第七，居于美国、德国、英国、法国、意大利、西班牙之后。报告同时还指出，截至2005年，中国的文化生活现代化指数位列世界第五十七位，文化竞争力指数居第二十四位。
中国现代化战略研究课题组组长，中科院中国现代研究中心主任何传启说，文化影响力既是一个国家通过国际文化互动对国际环境施加的实际影响的大小，也是一个国家的国际影响力在文化领域的一种表现形式，它与国际文化互动的强度和国家参与程度有关，在一个程度上也可以作为国家“软实力”的一种衡量方法。
报告还指出，二十一世纪中国文化现代化的战略目标可分为两阶段目标。第一阶段目标是：在2050年前，文化生活现代化达到世界中等发达水平，全面完成第一次文化现代化，进入第二次文化现代化。第二阶段目标是：在2100年前，文化生活现代化达到世界先进水平，全面完成第二次文化现代化。
何传启说：目前世界上共有美国、瑞典、丹麦等二十九个国家处于第二次现代化阶段，中国处于第一次现代化阶段的成熟期。从以上的报告中我们可以清楚得到几个信息：第一，文化也要现代化，文化生活也要现代化，第二，文化现代化是中国现代化的一个重要课题。我们也可以这样说：中国的文化现代化，中国画，中国艺术的现代化是不可避免的。现代化，创新与创造将是中国文化，中国艺术的前进方向。
但是，长期以来，我们习惯了工业、农业、科技、国防的现代化，对文化的现代化提法是非常忌讳的。似乎一提文化的现代化，就怕丢弃了传统，失去了民族性。其实，这是一个很盲目的杞人忧天式的悲鸣。
2004年在联合日报上我曾为一个青年画家写过一篇评论文章，阐明了我的观点：
“每当我们谈论艺术创作的现代性和世界性的时候，总是要重复一句名人名言：越是民族的越是世界的。似乎一谈世界性，就恐怕丢掉了民族性，丢掉了传统性。然而，当你看着眼下数以万计的“画家们”挤向芥子园去膜拜古人，重复前人和模仿他人的时候，当你看到大批的“卡拉OK”式批量生产的梅兰竹菊,“国色天香”摆上书画市场的时候，你还会害怕中国人会丢掉自己的民族性和传统性吗？一个背负5000年传统文明包袱的民族，一个总是标榜自己的祖先无比辉煌并为此而异常自豪的民族难道会丢掉自己的民族传统吗？其实，真正可怕的倒不是这些，而是现代的中国人丢掉了现代，丢掉了自己！因此，我由衷地崇尚那些有个性，有现代性和创造性的艺术家。”
多少年来，我们一直为中华民族的包容性和影响力而骄傲，的的确确，历史上有许多其他民族的文化，一旦进入了中华文化的范围，都几乎为它所同化。但是，在今天，当国际间经济文化交流渗透日益自由并成为世界主流的时候，世界范围内的文化状态将以相互影响为主要格局。现代化将会逐渐拉近各国文化间的距离，同住一个地球村，同在一片蓝天下，把“我和你”连在一起。
譬如我们的衣食住行四大生存文化，几乎失去了本民族的特色，衣住行自不必说，很难再说它是中国自己的。只有餐饮文化，中国依然还保持着独有的特色。但铺张浪费，公款消费，讲究排场，讲面子，吃出圈子来，吃出关系来，吃出毛病来，虽冠以餐饮文化的美称，也不可能总让我们骄傲。近年来，绿色营养的觉悟也在与世界接轨。
譬如节日文化，西方的圣诞节、情人节、母亲节、愚人节等等已经堂而皇之的走进中国，成为中国人特别是中国年轻人生活中的一部分。当然，中国的春节也在走向世界，尽管势头不强，但毕竟是走出去了。
综上所述，我们可以得出这样一个结论：文化是没有国界的，文化是有渗透力的，是相互的；文化是有选择性的，文化也有先进与落后之分。文化是需要现代化的，中国的文化正在现代化的进程中。自然，我们不要担心中华古老文化的消弱，因为我们在创造新的现代的文化，我们会非常科学的艺术的把古老的中华文明融入中国的文化现代化之中。
新华社在评论2008北京奥运会开幕式特色的文章中说的很好：“用世界的语言讲述中国的故事，充分体现民族特色，时代特征，赋予开幕式以现代性和国际性的风貌。”
中国画亦如此。
记：那么原创美术和传统美术的根本区别在哪里呢？
赵：原创美术和传统美术既有根本的区别，也有本源的联系。
首先，从人类进化史和文明发展史来看，传统美术的根就是原古时期的原创美术，先有原创美术后有传统美术。原创美术是传统美术的源头和祖先。
随着人类的进化和成长，原创美术这个美术源头派生了许多支流、支系。成为分布在世界各地的各种画种画派，如壁画，油画，雕塑，装饰画等，中国画便是其中一个支系。我们常说的中国画其实是成长于明清时期的中国文人画，文人画并非中国画的全部，而只是其中一个支系而已。
但是它经过了历代文人墨客积累与完善，添加了丰实的文化内涵，成为一种民族文化的载体，被历代统治阶级尊为正统，也成为了一种文化精神，代代相传，成为了传统。
而作为源头的原创美术，与它的支系相比，发展的不平衡，有点像一个家族的发展一样，有的支系人丁兴旺，成为大族群；有的支系却由于种种原因，未能繁衍开来，有的却断代绝后，未成一家，这就是物种强弱适者生存的自然现象，不足为奇。
原始美术的本源，之所以未能传承下来，主要原因是它文化性的缺失。特别它的非功利性和非工具性未能为后来阶级社会历代王朝服务，不可能传为正统，得以发扬光大。
但是，原创美术做一种人类的遗传基因，它并未消失，它依然千年流淌在后人的血液里。只要我们唤醒和激活了这种人类的先天基因，原创美术依然可以萌发新的奇葩，开出鲜艳之花。这就是今天我们研究院的历史使命和意义。
我们唤醒人类自身的原创美术基因，并非要给它注入多少当今和历史传统文化激素，我们不会再把刚刚激活的原创美术的本源渗入传统文化的负担，再把它培育成为另一种图式模式，成为新的正统文化形态。我们唤醒和激活人类的这种遗传基因，依然要保持它那种人类精神的原始纯真状态和作 为人类艺术本源的非功性的原始意义。
这也就是原始美术和传统美术的根本区别。原创是原始创造的，没有先例的，是随心所欲的情感表达，没有固定的模式和套路，它崇尚个性、自由，看淡师承，看淡传统，注重人的素质的提高，它是以自身为本，不是取悦他人，为他人而画。而传统美术的根本标志是模仿。它看重传统，看重名家风貌，看重市场风向，注重模式。是在古人、他人、名人和老师的窠臼里的奋争。模式模仿成为了正统，必然缺失了艺术的个性。
这里又涉及到原创美术与传统的另一重要区别：原创美术是个性的，它尊重人的创造性，它以美术家的自我实现为最高目的。而传统美术强调共性价值，正统观念和对当下社会的政治文化意义。
当一种宗教或一种文明一种权利统治一个社会的时候，它是不尊重个性，不提倡实现自我的；它需要的是一种集体精神，一种模式高于个性的文化精神；是一种文化对艺术的驾驭。它崇尚的是文化的正统观念。
中国是一个有着五千年文化传统的国度，正统观念、传统观念包裹着每一个人的灵魂与思想。中国文人画的图式内涵恰恰与这种传统观念相吻合，或者说，文人画是传统观念的骄子，它对历代正统思想的诠释和传播提供了一个柔软的温床，所以它才成为了正统模式，被奉为国画，中国画。其实，它不过仅仅是文人画而已。
但是，当一个文明社会，向着更人性、更民生、更民主、更开放的方向发展的时候，当艺术跨越国界，成为无界艺术，成为人类共同财富的时候；难道原创美术不应该再回到人们之中，成为一个自然人自由想象，个性发展的美好空间吗？
记：从以上的谈话中，我们知道原创美术与传统美术有着本质的区别，那么原创美术还与哪些艺术有关呢？
赵：原创性艺术很多，雕刻、服装、饰品、装潢、摆设、家具等等，都可以原创，只要在一定的时间或空间中展示出“有意味的形式”，只要让人在视觉中有形式快感，在听觉中有节奏快感，对色彩有情绪反映，对空间虚实有参次感觉，并且是通过个人的想象力创造的，都可以称之为原创艺术。我们谈的原创美术主要指绘画，指没有所谓的绘画技巧的操作，全部出自作者无拘无束的幻想，狂热的激情宣泄，以自己真实的体验感受完成和展示出特有的韵律和意蕴的作品。
其实，原创美术应该与原始艺术和儿童绘画有关，原创美术与人的本性、本能有关。
艺术有着自己的起源，它的基本本质不是受制于一种文明和宗教，而受制于人类自身不可取消的能力，即感觉和直觉的控制能力，更进一步地说，决定艺术创造的审美冲动是人类固有的东西。审美冲动恰如性冲动一样，是时刻存在的东西。这种审美冲动、艺术的活力，这种反理性和神秘力量来自于弗洛伊德所提出的原我，这个原我被认为是艺术之源，也既我们所说的灵感。它通过自我达到形式上的综合统一，最后，它也许会以特殊的超自我创造的思想或精神欲望融为一体，这就是原我、自我和超自我的三个意识层次的艺术创造过程。弗洛伊德认为，“原我”是先天具备的、是原始“我”。原我为本能所左右，为欲望的满足所驱使，处于无逻辑、无意识状态。原我背后的那种力量叫做本能。本能代表着肉体对心灵的要求。他认为原我的潜在作用会左右人的行为，影响人的一生。
“自我”为社会条件所制约，受理智的约束，是在现实中表现出来的“我”弗洛伊德说：“权衡外部的情况，发现获得满足的最有利、最没危险的方法，也是它的职责。”“自我”适应社会，规避危险，控制本能的需求，使“原我”中的部分、内容转为抑制状态。它是理智的，同时也意味着对本能欲望的扭曲和压抑。
“超自我”为社会文明所教化，是对本能欲望和社会地位关系的超脱与升华，是人格的最高层次。弗洛伊德认为，每个人都挣扎在原我与自我之间，本能要受到社会的压抑沉入人性的深层，然而却在无意识中发挥着作用，在不自觉中影响甚至是决定着人的心理意识和行为。艺术就是对这种无意识的表现，它与本能欲望难解难分。受压抑的本能需要在艺术中得到排遣，得到寄托，得到升华，但它的表现方式是扭曲的、不自觉的，同时又是不可避免的。弗洛伊德认为，艺术对人的作用和价值正体现在这里。这就是弗洛伊德关于艺术与无意识的基本观点。由此看来，既然艺术创造来源人的本能，因此，人人都可以体验原创美术，都可能成为艺术家。
还是从原始艺术说起，原始社会因为时空时尚相隔的久远而显得神秘起来。遗有的原始艺术作品今天看来仍然独具魅力。
原始的而非是落后的。原始艺术中的“原始”二字，容易让人联想到蛮荒时代的，简陋、粗浅和未经驯化的多种含义，对于艺术来说并非如此。原始艺术是指人类发展初始阶段的艺术。艺术以人为本，又有自身发展的原动力和纵向的传承关系，不一定同社会的进步同步，对艺术而言，并不意味着社会越发达，艺术就越进步。因为艺术是人性的表现，是人本的需要，是有强烈的感性、感情的表现成分。社会发展的走向不一定顺应这一特性。
美国当代著名学者简.布洛克说：“艺术不同于科学、哲学、技术、甚至宗教，它似乎并不拥有一个世代沿袭庞大的积累过程，而是像维纳斯的诞生那样，在人类的初始即已成形。这或许是因为艺术最基本的人类需要的表现，艺术冲动的有些最高的表现方式来自社会最原始的那部分。”这就是说，作为感性表现的艺术形式与人的多种感性有更多的关联。看中国远古的彩陶的岩画，河姆渡的绘画，非洲的原始部落艺术以及爱琴海区域的克里洛文化，就会发现，这些地区虽然地理、文化各异，但表现形式的特征都十分近似。诸如简练、夸张手法，秩序感与随意性并存等特点，这些形式与人类天性的相通之处正是艺术价值的关健所在。
艺术原本的意义也许更为简单、纯朴，并不需要这么多高雅的装点。原始艺术的价值，首先就表现在率真的感受，单纯而简练的形式、夸张、强烈的竞争传达上。原始艺术常能捕捉到主要感受并加以大胆表现，“得其意而忘其形”，他们没有专业技艺的限制，没有既定方法与程序的束缚。这是一种出自天性的形式，是生命律动的自然流露。现代人的丰实知识和深入细致的观察，有时会因局部精确而削弱了整体感受，表现的细节多了，反而不得要领，积累的知识多了，有时会影响真切的直觉感受。
原创美术常有原始的意味，这就是普通人（没有经过绘画训练的人）可以成为画家的原因所在。原始人把兽皮、兽骨披在身上，在皮肤上刻画或描绘花纹，就带有复杂的心态和审美的情趣。西班牙阿尔塔米拉岩洞壁画上“猎人将长矛投向猎物，在展示人的能力，实际上也期望再次狩猎成功，充满渴望也带有炽烈的情感。在阿舍利文化末期出现的扁卵手斧，正视、侧视、顶视均有着完整的几何对称形象，可知力量与神秘力量互融，实用性与技艺性综合。至于原始部落的各种图腾，风格之简练，造型之传神，让人为之赞叹，而其中却表达了人的崇拜和精神寄托。这些都是原创美术，是设有绘画技法的美术，不必顾及条条框框，想画什么，想怎么画怎么画，在高昂的创作热情中充分发挥想象力。
去年我随中国美术家代表团访向浙江余姚市，参观了河姆渡人文化遗址，感受颇深。河姆渡文化遗址是距今7000年前的中国原人遗址，那时，人类还没有语言，没有文字，更谈不上教育与师承。但是，你会发现那时有绘画有雕塑，有艺术品，而且先民们所绘制的连体鸟，花卉、野猪之类形象、简明、生动，性器官的泥塑更是栩栩如生。面对这些没有语言、没有文字、没受过教育的先民们，你不能不接受这样一种哲人的观点：艺术不是文化，艺术不是社会发展的副产品，而是形成一个社会的最初的要素之一。艺术就是悟性，是人的本能。
事实上，每个人都有着成为原创画家的潜能。因为原创美术的概念已经摈弃了原有的绘画技法，完全不必考虑运量、用量、构图、比例以及透视关系、想画就尽管画，以个人的情感体验为动力，并使之实现对象化表达。问题的关键是这种潜能能不能得到开发？我们研究院的工作便是用全新的理念和程序，用切实有效的方式方法去激活这一潜能，使之活跃、充沛、亢奋、热情洋溢和信心百倍地开始原创美术工作。
如果你查阅或研究一下人类的进步与发展史，你会发现就连原始人类与我们的孩童时期都与艺术创造有缘。
研究资料还表明人类的个体，二岁即懂得审美，四五岁就能画画，而这时的审美与绘画都不是教育的结果，都不是知识的力量，而是人的悟性，一种先天的本能。
儿童画没有原始艺术的那些历史复载，但在形式体验上有许多相似之处。儿童有一种未被扭曲的直觉，充满好奇心和新鲜感，能够将自己感兴趣的特征强烈的表现出来。儿童凭感性作画，直取主要印象，还有那无拘无束的想像力。例如，儿童画人时并不受人体结构的细节影响，十分“写意”。可以用圆圈代表一个圆形的头，一条曲线就是胳膊；手掌可以忽略不画，但不会忘记画够五个手指头；眼睛很重要，于是眉毛便可以不画。如此大胆的取舍或变形，这是成年人所不能想象的。儿童能抓住最概括的特征，不受细节变化的影响，下笔肯定，兴趣盎然。早期的儿童是自我中心主义者，儿童毫不顾忌地表现自己的感受，不熟练的画技并没有成为自信的障碍，再加上富于幻想，种种梦幻般的奇异景象就被随手勾画出来了。这就是在美术上值得格外重视的想像力和创造力。艺术贵在真性情的流露，而模仿本身就是有违纯真的表现。
应该珍视的是纯真，自然的新鲜感，要保护那天马行空的想像力，培养那种取意忘形，抓大势而略细节的艺术感受。
在儿童画和原创艺术中有许多令人神往的东西在消损，饱受社会异化的人群更是如此。艺术教育不能用各种方法把这些艺术上的可贵品质打磨平，最后只剩下技术、程式、理性和感念的堆积。
艺术界曾提出，回归原始和寻根的口号，寻什么根？不是先感叹历史沧桑，去祭祀创始的先祖，而是去体验那鲜活、纯朴的生命感受。艺术与人类同在，本来就关系密切，重建纯真自然的艺术表现力，这是艺术向人性的归复，这是我们原创美术研究者的光荣使命。
既然，7000年前的古人和几岁的孩童都有艺术的悟性，都有艺术创造的冲动，难道今天的我们这些有更高修养受过更高教育的人们就不能体验美术创造吗？问题的关键在于：你的艺术悟性这一本能是否还存在，是否没有泯灭。用我的理念和程序，激活你的悟性，你就可以体验原创美术。
记：既然什么人都可以体验原创美术，那为什么你又说，体验原创美术是成功人士的高雅选择呢？或者说，你的原创美术主要面对哪些人而言的呢？
赵：虽然说人人都可以体验原创美术，但是能否参与体验还是有一些条件的。原创美术在这里有一个最高的更本质的特点与属性：它是非功利性的，它不是人们赖以生存的经济基础，也就是说原创美术体验是一种花钱的高峰体验，而非以此挣钱的生存手段。纵观所有美术教育、美术培训，不管是在大专院校还是在民间，他们培养、培训的学生或者画家，都是为生存而学的。学生是为一技之长，为就业为生存而学。而那些参加各种名目的培训的画家，则是为市场为功名而学。一言以蔽之，都是为挣钱而学的。原创美术的非功利性决定了它不可能成为所有人都感兴趣的目标，他只能成为那些无生存之忧，无功利之想的当今社会高端人群，成功人士的高雅选择。
人的选择与需求是有层次的，从生理生存需要、安全需要、归属需要、自尊需要到自我实现，是逐渐向高层递进的，其中人的生理生存需要是最低层次的需要。当人们的低级需要满足了，人们就受那种更高级的“实现”驱动了。例如，归属、感情、尊严、尊重、欣赏、荣誉以及自我实现的机会等等。“自我实现则是人的最高层次的行为需要。自我实现也许可以大致描述为充分利用和开发天资能力潜力等等。这样的人似乎在竭尽可能使自己趋于完美，自我实现的本质特征是人的潜力和创造力的发挥”。原创美术需要的就是人的潜力和创造力，它正是社会高端人群，成功人士自我实现的艺术天地。这些人已经完全没有生活、生存之忧，他们为社会创造了大量的物质财富，他们处在社会的高端位置，受到人们的尊重和赞美，他们缺乏的或者说更需要的是更完美的自我，需要的是激活潜在的艺术悟性，体验原创美术，达到一种高峰体验。
美国心理学家马斯洛曾经说过：“高峰体验一词是对人的最美好时刻，生活中最幸福的时刻，是对心醉神迷、销魂、狂喜以及极乐的体验的概括，高峰体验是人性发展能够到达的最高境界。”而原创美术的体验是可以成为成功人士的幸福时刻高峰体验。
美术创造不应该是所谓专业画家的专用词。马克思曾经说过：到了共产主义社会，就没有专门的艺术家了。也就是说一旦人们的社会生活提高了，社会极大的进步了，艺术创作将会成为每一个人的自由表现的空间，而不成为一种职业了，之所以画家成为一种职业和生存状态，是因为在社会的初级阶段，在商业社会和功利社会中，社会生存与社会个人的需要，才有了现在的专业艺术家们。
记：你刚才提到学校与教育问题，原创美术也应该是一种教育模式，请问原创美术教育与传统美术教育有什么区别吗？
赵：是的，原创美术教育面对社会也是一种教育模式，但它是岂今为止，还未受到高等院校及学术机构的提起和重视，还是一片教育空白，所以它也是一片最新的教育模式和教育体系。它的非功利性和社会成功人士的参与，决定了它与传统教育有着鲜明的根本性的区别。首先，传统教育是一种灌输式教育，它把定型的十年甚至数十几年一贯制的教材，挤压给学生；它同时又是模仿式教育，学生模仿老师，老师模仿古人名人，他对传统顶礼膜拜，以继承古人技能为学业。原创美术教育则不然，它是用一种启发式的传授方式，激活你自身已经存在但是被抑制的艺术悟性，让你自己发挥想象和创造能力，选择最适合自己的艺术语言和符号自由自主自在的创造自己的艺术作品。在这里，学生、研修生是创作的主体，他不必模仿老师，也不必模仿传统，他要的是原创美术作品。原创美术教育和传统教育的一个最根本的区别是：传统教育是为人的生存而教育，原创美术教育是为完善自我，提升自我实现自我而教育，这是人类行为的最高层次。
记：原创美术应用什么样的教材，设立什么样的课程呢？
赵：原创美术教育在中国当下还是一项空白。近三年来我做了一定的学术积累和考察，基本上形成了自己的一套教学大纲和教育理念。原创美术研究院不是传统上的美术院校，不是老师教学生的模式，它是以启发激活参与者的艺术悟性，让大家自己去画去创作为主要方式。在课程的设立上，是以提高人的观念、理念、挖掘潜力和创造力的方面考虑，课程以艺术美学，现代艺术构成，中西方美术史，艺术形式的线条与色彩，诗歌与音乐，文学、创造学等等为主。另外，也要安排写生与表现的技能锻炼。整个学习期间，是以讲座为主，以上大课为主，加以教师辅导。
记：原创美术的学习，需要什么样的基本功吗？原创美术作品怎样走向市场呢？
赵：学习中国传统绘画，必须学习中国画的笔墨技巧，皴、擦、点、染等等，无此，不成中国画，不成山水花鸟。但是，这些所谓的基本功是对于传统的中国文人画而言的。我现在学的不是传统的中国画，那么，传统的中国画基本功对我来说那还叫基本功吗？非也！传统的基本功是传统绘画的基本功，它不是原创美术的基本功。它与原创美术没有基本关系。当然，原创美术也非无源之水，无基之塔，它绝对也有自己的基本要求，那就是学习者的基本悟性，或者说灵感与创造力；还有文学的、美学的等等事关人的灵魂的基础知识。 原创美术特别重视行而上的研究，即注重理念、道的研究，对形而下的技巧、技能之小器并不视为基本功。也可以说是功，但非基本。
至于市场问题，这些年来，确实有不少人多次向我提出这个问题。
纵观当代画坛，是市场维系着画家的生存，没有市场的画家是很难走向成功的成为名家的。这也是众多画家炒作自己的主要原因，把画卖出去并卖一个好价钱，这是大多数画家的良苦用心。一言以蔽之，市场是画家的生命线。但是，原创美术则不然，此话怎讲：第一、原创美术的体验是非功利性的，它是成功人士拓展艺术才华、愉悦身心的高雅活动。或者说，他画画不是为了卖画，不是为了挣钱。他是为了满足自我实现的需要，为了自己作画、自我欣赏、自我满足。甚至说，体验原创美术，不但不是挣钱，而且是为了花钱。第二、参与原创美术体验的人都是当今社会高端人群，成功人士。他们各自取得了各自岗位上极大的成功，既有社会地位，又有经济实力，更无生活、生存之忧，他们无须依赖自己的画作生存。所以，市场不是他们的着眼点。
记：那么，原创美术研究培养的都是哪些人才呢？
赵：原创美术研究是一门新兴的艺术样式，从根本上说是对人的艺术潜质的提升与拓展，因此，吸引更多的有识之士参与原创美术的研究是我们的心愿，所以研究院从三个层次广纳贤士。首先，研究院与中国原创美术家协会网合作，实行会员制。凡是自愿体验原创美术社会活动的，有一定艺术素质和美术爱好的人，都可以成为原创美术的会员。二是，设立创意研究室，聘请研究员。凡是有一定的社会地位，有一定书画创作经历，对原创美术研究有兴趣，能经常来研究院参加创意活动的政界、企业界、书画界及其它社会各界的朋友们都可以成为研究员。研究员可以随时来研究室挥毫泼墨，体验原创美术的乐趣，愉悦身心，提升自己的艺术才质。三是，设立原创研修生室。顾名思义，研修生不是一般的学生，而是进修、研究原创美术的专业专职人员。在他们中间，将会诞生中国最早的原创美术家，原创画家。研修生的学习时间一般为一年，研究院每年只招5——10名研修生。研修生一般要定期，或不定期来研究院上课学习，并且按时完成研究院的研究作业和课题。修业期满，研究院为他们出画册，办画展，向社会隆重推介宣传。
记：我们知道，您做过美术界的领导，您是喜爱公益事业广交朋友的画家，请问，研究院怎么保持和加强与社会的联系呢？如何吸引更多的人关注原创美术事业呢？
赵：前面提到原创美术是关系人性的艺术，不管你是否从事美术创作，还是社会其他职业，只要你的先天艺术悟性未泯灭，你就可以体验原创美术。因此，原创美术可以和任何人有缘分。前面提到研究院设立的会员、研究员、研修生三个层次，基本能包容大部分原创美术的爱好者和实践者，但是还有朋友除了体验或喜爱原创美术以外；还对研究院的生存与发展，十分关注。因此，我们又成立了研究院理事会，诚邀社会各界朋友、成功人士出任理事，与我们共谋发展。研究院是学术单位，它是以研究原创美术的理念、状态和开拓国内外学术交流活动为主要任务，所以，我们又成立了研究院学术委员会，聘请了国内文学艺术界知名人士为学术委员会委员，用他们的学术观念、观点和策划，保持和提高研究院的学术档次。学术委员会还负责研究院的评审、评奖、评论事宜，以保持研究院各项学术事宜的公正性和权威性。
学术委员会和理事会每年都不定期的召开会议，从而形成一个健康有活力的理院机制。
同时，我们将随时随地的为来院视察访问、交流的各界领导、艺术家、朋友提供服务，让他们随心所欲，泼墨挥毫，展示才华，愉悦身心。
另外，我们还将与有关方面合作，把原创美术讲座，艺术欣赏讲座进基层，进企业、进社区，与社会各界朋友建立并保持友好亲近的联系，为提高社会的艺术水平和公民的素质作出贡献。
记：一个新生的事物的成长是件不容易的事，广泛的推介自己的理念，创造自己的社会形象是不容忽视的，除了你上面的谈到的常规措施以外，是否也考虑利用网络的宣传和联络作用呢？
赵：是的，原创美术的研究是没有地域没有界限的，它是滨州的，也是山东的，全国的。是中国的，也是世界的。而互联网的无地域性和世界性正是原创美术生存与发展的虚拟空间和艺术天地。所以，研究院一成立，我们随即注册了中国原创美术.com 和中国原创美术家协会.com两个网站。现在，我们的工作人员正在设计两个网站的内容。我们将会充分利用互联网这一现代化的科技手段宣传原创美术，联系国内外的有识之士，共同努力，发展原创美术事业。我们的网站将设有最新的资讯，开放的论坛，画廊画展，原创画家推介，举办社会活动等十分丰富的内容。让世界关注中国的原创美术，让中国的原创美术走向世界。
记：现代原创美术的研究与教育是一项空白，你门研究院的成立，在中国树立了一面旗帜，建立了第一个交流平台，祝你们不断发展壮大走向成功！
赵：谢谢！正象您所说，研究院的成立，在原创美术界树起了一面旗帜，同时也为社会的进步与发展建立了二个平台，一是原创美术家、书画家交流的平台；二是高端人群、成功人士，书画交流、信息交流和友情交流二个平台。我们有信心有能力维护和促进研究院和原创美术事业的发展。但是，现代原创美术研究、原创美术教育毕竟是件新鲜事，在艺术史上教育史上都无成熟成功的经验供我们借鉴，研究院的一切活动都是在探索之中。所以，我们诚恳的请求世界各地的社会各界的关心原创美术事业的朋友们，给以关照和支持，让我们共同努力，把原创美术事业做好、做大、做强！
最后，送给各位朋友一句话，只要您乐意参与原创美术的体验，只要您常来研究院走走，只要我们能成为朋友；您就可以成为画家！成为原创美术家！
